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Alice Coopers Restaurant verängstigt den Mann zum Einschlagen von Fenstern

Alice Coopers Restaurant verängstigt den Mann zum Einschlagen von Fenstern


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Ein Phönix-Mann sagt, er habe Mörder in den Fenstern gesehen

Ein Phoenix-Mann sagt, er habe Mörder in den Fenstern von Alice Coopers Restaurant gesehen. (Foto geändert: Flickr/Lebender Mann!)

Alice Cooper ist als der Pate von Shock Rock bekannt, aber das Phoenix-Restaurant des Rockstars kann allein erschrecken. Ein Mann, der kürzlich an dem Restaurant vorbeikam, war so verängstigt, dass er einen Amoklauf verübte, der einen Schaden von über 10.000 US-Dollar verursachte, sagt die Polizei.

Laut Phoenix New TimesDer 22-jährige Joseph Urango schaute durch die Fenster von Coopers Restaurant, Alice Cooperstown, und geriet in Panik, als er darin "Mörder" sah.

"Er sagte, er stand in Alice Coopers Restaurant und bemerkte Mörder in den Fenstern", erklärte ein Polizist. „Er sagte, er sei nach Westen gegangen und die Mörder seien ihm gefolgt. Er fügte hinzu, er habe Steine ​​​​durch die Fenster in der W. Jackson St. 15 und 22 W. geworfen, um die Mörder loszuwerden, aber sie folgten ihm trotzdem. "

Die Polizei wurde gerufen und informiert, dass ein Mann in der Nachbarschaft Fenster einschlug, und als sie Urango fanden, versuchte er, einige Glastüren einzutreten. Urango war hilfreich, als die Polizei ihn anhielt und sagte, er habe bereits mindestens 10 Fenster eingeschlagen. Dann führte er sie durch die Nachbarschaft, um darauf hinzuweisen, welche seine Arbeit waren. Es wird geschätzt, dass die Reparatur des ganzen zertrümmerten Glases "weit über" 10.000 US-Dollar kostet.

Urango wurde wegen mehrerer krimineller Schäden angeklagt. Er sagte der Polizei, er habe nicht das Geld, um die Fenster reparieren zu lassen, sagte aber, er würde "mit allen schießen, sobald er aus dem Gefängnis entlassen wird".


5 schwer zu vergessende Momente aus Marilyn Mansons unvergesslicher Karriere

An diesem Punkt ist es sicher, Marilyn Manson zur Gen X Alice Cooper zu erklären.

Beide werden nicht nur von einem Mann mit dem gleichen Namen wie seine Band angeführt, jeder hat es auch geschafft, ein paar Spitzenjahre der Empörung in laufende Karrieren zu verwandeln. Alice Cooper, der Mann, ist jetzt 67 Jahre alt und mit Motley Crue 46 Jahre nach dem ersten Album seiner Band auf Tour. Manson, der Mann, ist mittlerweile so alt wie Coopers Debütalbum und hat kürzlich die Zwei-Jahres-Marke seiner eigenen Karriere überschritten.

So wie Cooper eine zweite Karriere auf dem Semi-Pro-Golf-Zirkel entwickelte, erntet Manson jetzt Schwärmen für seine Schauspielarbeit (“Californication,” “Sons of Anarchy”). Der einstige "Antichrist Superstar" ist zurück in den Twin Cities, um eine ausverkaufte Show im ausgesprochen zahmen Mystic Lake Casino zu überrollen, das normalerweise die Heimat von Kenny Rogers, Yanni und Boston ist.

Mansons Tour folgt der Veröffentlichung von “The Pale Emperor, einer überraschenden Rückkehr zur Form, die als das beste Werk der Band seit 15 Jahren gilt. (Das ist wahrscheinlich der Anwesenheit des neuen Mitglieds Tyler Bates zu verdanken, einem Komponisten, den Manson am Set von “Sons of Anarchy” kennengelernt hat, der das Album mitgeschrieben und produziert hat.)

Um das zu feiern, hier ein Rückblick auf fünf denkwürdige Manson-Momente, die dafür sorgten, dass er all die Jahre später immer noch Karriere machen würde, sogar in Casinos.

“Süße Träume (werden daraus gemacht)”: Nachdem sein Major-Label-Debütalbum nicht auf großes Interesse gestoßen war, nahm Manson seine eigene Version des Eurythmics-Hits auf und fügte einem bereits düsteren Song eine gesunde Prise Gothic-Angst hinzu. MTV brachte es in starke Rotation und bald war Manson überall. Leider begann damit auch ein Trend für neue Metal-Bands, ihre eigene Karriere mit einem neu gemachten Pop-Hit der 󈨔er zu starten, darunter Limp Bizkit (George Michael’s “Faith”), Orgy (New Order’s “Blue Monday& #8221) und Alien Ant Farm (Michael Jacksons “Smooth Criminal”).

“Die schönen Menschen”: Dieser Hit von 1996 ist die Signature-Nummer der Band und hat sich seitdem zu einem festen Bestandteil bei Sportveranstaltungen entwickelt. Dies ist umso bemerkenswerter angesichts der ungewöhnlichen Produktion und der Texte, die von den Kennedys, Charles Manson und Friedrich Nietzsche inspiriert wurden. “Ich wusste, dass wir zu unserem definierenden Sound gekommen waren, als wir ihn schrieben,”, sagte Manson über den Track im Jahr 2005. “Ich glaube nicht, dass ich jemals genug davon bekommen werde.”

“Mechanische Tiere”: Jetzt, da er endlich die volle Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit hatte, wandte sich Manson mit diesem Album von 1998, dem besten Longplayer in seinem Katalog, dem Glamour zu. Das Album mit 62 Minuten ohne Penalty-Nummer profitierte vom Input des inoffiziellen Musikberaters Billy Corgan sowie der vollen finanziellen und künstlerischen Unterstützung seines Labels. “The Dope Show” und “Rock Is Dead” sind bis heute das Herzstück der Manson-Konzerte.

Die Rock is Dead-Tour: Manson plante, “Mechanical Animals” zu promoten, indem er mit Courtney Loves Band Hole zu einer Doppel-Headliner-Tour aufbrach. Aber nach neun Shows sprang Love von Bord und ließ Manson als Hauptattraktion zurück. Manson reagierte mit einer äußerst unterhaltsamen Show, die ein Kruzifix aus Fernsehgeräten, ein Lichtzeichen im Showbiz-Stil mit D-R-U-G-S und goldenen Konfetti- und Kunstblutduschen für die Menge enthielt. Es traf Minneapolis’ Target Center eine Woche nach dem Massaker an der Columbine High School, aber Manson sagte den Rest der Tour kurz darauf wegen des öffentlichen Aufschreis ab.

“Bowling für Columbine”: Manson reagierte auf Behauptungen, er sei für die Inspiration von Columbine in diesem Michael Moore-Dokumentarfilm aus dem Jahr 2002 verantwortlich. Er setzte sich mit Moore zusammen, um klar und kohärent über Waffenkontrolle, die Massenmedien und die Kultur der Angst zu diskutieren, und inspirierte den Christian Science Monitor, ihn als „erstaunlich artikuliert“ zu bezeichnen um die Dinge in den Jahren danach zu verdummen, zuletzt während eines katastrophalen Auftritts im Oktober 2013 in AMCs “The Talking Dead”, der in der Show zu einem Running Gag wurde.


Besitzer eines gestohlenen Autos bei tödlichen Polizeischüssen am Boden zerstört, Auto hat einen Totalschaden

Der Besitzer des gestohlenen Autos, das an der Schießerei der Polizei in Mesa vom 25. September beteiligt war, sagt, es sei ein Totalschaden aufgetreten.

MESA, Aris. - Während die Ermittlungen zu einer Schießerei durch die Polizei in Mesa fortgesetzt werden, erfährt FOX 10 mehr über das gestohlene Auto, das die tödliche Konfrontation auslöste.

Die Besitzerin des Autos sagt, es sei im September aus ihrem Apartmentkomplex in Mesa gestohlen worden.

Die registrierte Besitzerin fand am 1. Oktober heraus, dass ihr Auto in eine tödliche Polizeischießerei verwickelt war.

Während sie vor die Kamera gehen wollte, sprach eine Verwandte mit FOX 10 und Nicole Garcia. Er sagt, sie sei am Boden zerstört und traumatisiert.

"Es hat ihr viel bedeutet, es war etwas ganz Besonderes."

Bevor die rote Limousine von Kugeln durchlöchert wurde, war sie der Stolz und die Freude des jungen Besitzers, der sie &aposRuby nannte.&apos

"Sie war gerade damit fertig, es abzubezahlen. Sie war aufgeregt, weil sie es gerade selbst bezahlt hat."

Der Besitzer hat &aposRuby&apos am 4. September als gestohlen gemeldet.

"Sie war auf dem Weg zu einem Freund in der Hobby Lobby und es war weg."

Am 25. September entdeckte die Polizei von Mesa das Auto auf einem Restaurantparkplatz mit einem Mann hinter dem Steuer, der zusammengesunken war.

Dieser Mann war der 21-jährige Angel Benitez. Er wurde während einer Konfrontation mit Mesa-Beamten im Auto erschossen. Der Besitzer von Ruby&aposs fand es eine Woche nach dem Mord heraus.

Mesa-Polizei erschießt Mann bei Verkehrskontrolle in Tempe

Ein Mann wurde von der Mesa Police in Tempe erschossen, nachdem er am 25. September hinter dem Steuer eines gestohlenen Autos gefunden worden war.

„Wir haben einen Anruf von der Polizei bekommen, dass sie ihr Auto gefunden haben. Es war in eine Kollision und eine Schießerei verwickelt und es wurde ein Totalschaden verursacht. Sie hat einfach angefangen zu weinen. Sie war schockiert und in Tränen aufgelöst."

Er sagt, die Autobesitzerin fühlt sich zweimal schikaniert.

"Sie" wurde von dieser ganzen Situation erdrückt. Angst vor allem. Sie hat ihr Haus nicht verlassen. Jetzt, da ihr Auto gestohlen wurde, hat sie Angst, ein neues Auto zu bekommen. Sie hatte Angst davor, gestohlen zu werden."

Die Besitzerin hatte nur eine Haftpflichtversicherung, ihr Auto ist Totalschaden. Sie sagt, sie wisse es nicht und habe Benitez noch nie gesehen.

Die Schießerei wird noch untersucht und wird der Staatsanwaltschaft von Maricopa County zur Überprüfung übergeben.

Körperkamera-Video der Polizei bei tödlicher Erschießung eines Mannes in Tempe . veröffentlicht

Körperkameraaufnahmen zeigen den Moment, bevor die Polizei einen jungen Mann in Tempe erschoss. Seine Familie sagt, die Schießerei sei ungerechtfertigt.

Familie des Verdächtigen fordert Transparenz von der Polizei nach tödlicher Konfrontation in Mesa

Die Polizei von Mesa sagt, sie habe versucht, einen Mann anzuhalten, der in einem gestohlenen Auto saß. Schließlich konfrontierten sie ihn auf einem Parkplatz und eröffneten das Feuer. Nun möchte seine Familie, dass die Beamten die Aufnahmen der Körperkamera veröffentlichen.


Der HHN-Horror endet nie

„Universeller Monster-Remix“

Universals berüchtigtes Horror-Erbe wird in „Universal Monsters Remix“ zu einem Jenseits werden, einem brandneuen, erschreckenden Erlebnis, das die klassischen Horror-Ikonen vergangener Zeiten für das 21. während „Halloween Horror Nights“.

In den Vorkammern eines unheimlich gotischen Schlosses wird das neue Labyrinth „Universal Monsters Remix“ eine Besetzung der legendärsten Kreaturen der Filme entfesseln, darunter Frankensteins Monster und seine Braut, Dracula und seine Bräute, Phantom der Oper und Der Wolfsmann.

Tief aus dem Inneren der steinernen Festung, begleitet von ominösen Stroboskop-Lichteffekten, durchqueren die Gäste dunkle und feuchte Arterien verrottender Katakomben, heiliger unterirdischer Krypten und heidnischer Opfergrabkammern. Eingebettet in das Gemurmel der Dialoge aus Universals Horrorfilmkatalog werden die Gäste von den unnachgiebigen Klängen energiegeladener, von Horror inspirierter Tanz-, Dub-Step- und Industrial-Musik belagert.

Terrorerfüllte „Scare Zones“

In dunklen Ecken lauern in „Halloween Horror Nights“ unzählige „Scare-Acts“ und zahlreiche Horror-gefüllte „Scare Zones“, die die Gäste auf Schritt und Tritt erschrecken, erschrecken und erschrecken sollen. In diesem Jahr werden „Scare Zones“ bei den Gästen ein neues Gefühl des Schreckens hervorrufen.

Silent Hill: Die verdorbensten Kleinstadtbewohner werden jeden gnadenlos quälen, der sich in den „Silent Hill“ Scare Zone-Korridor begibt. Während der berüchtigte Bogeyman Rache sucht, bereitet sich eine Gruppe schrecklich entstellter Krankenschwestern darauf vor, ahnungslose Opfer, die ihnen in den Weg treten, körperlich und emotional zu vernarben. Wenn Pyramid Head, der skrupellose Henker der „Anderen Welt“, mitten in der Nacht ziellos im Dunkeln nach einem Ziel sticht, wird es kein Weg geben, der Notlage seiner „Silent Hill“ Scare Zone zu entkommen.

Toyz: Verzweifelte Zeiten haben dem einst freundlichen Spielzeugmacher aus der Nachbarschaft einen erbärmlichen Tribut gefordert. Eine betrügerische Ladenfassade lockt den Eingang zu „Toyz“, einem scheinbar glückseligen Spielland, das den inneren Terror gegenüberstellt, der den Laden plagt, in dem grausame und unsägliche Schrecken auf Sie warten.

Hexen: Ein Zirkel von „Hexen“, die auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurden, um ein lokales Hafendorf von ihrem heidnischen Einfluss zu befreien, hat diesen Clan schwarzer Kunstzauberer auf Rache gepisst. Gejagt und getötet wie wilde Tiere, schworen die Hexen ihren blutrünstigen Mördern ewige Rache und kehren in Herbstnächten zurück, um den Menschen in ihrer Mitte Gerechtigkeit zu verschaffen, indem sie die Lebenden verbrennen.

Killer Klownz : Der Zirkus mag in die Stadt gekommen sein, aber es sind die „Killer Klownz“, die die Show in dieser von Gangs gefüllten Scare Zone gewalttätiger Killerclowns leiten, deren Drei-Ring-Zirkus unter dem Applaus von Mord und Chaos unterhält.

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Rezension: Die Handlung von Jean Hanff Korelitz

Titel: Die Handlung von Jean Hanff Korelitz
Verlag: Celadon Books
Genre: Zeitgenössisch, Domestic Mystery
Länge: 336 Seiten
Buchbewertung: C

Kostenloses Rezensionsexemplar, bereitgestellt vom Verlag über NetGalley

Gepriesen als „atemberaubend spannend“ von Jean Hanff Korelitz Die Handlung ist eine treibende Lektüre über eine Geschichte, die zu gut ist, um sie nicht zu stehlen, und den Autor, der sie stiehlt.

Jacob Finch Bonner war einst ein vielversprechender junger Schriftsteller mit einem respektablen veröffentlichten ersten Buch. Heute unterrichtet er in einem drittklassigen MFA-Programm und kämpft darum, den Rest seiner Selbstachtung zu bewahren, den er seit Jahren nicht mehr geschrieben – geschweige denn veröffentlicht – hat. Als Evan Parker, sein arrogantester Schüler, verkündet, dass er Jakes Hilfe nicht brauche, weil die Handlung seines Buches in Arbeit sei, ist Jake bereit, die Prahlerei als typischen Amateur-Narzissmus abzutun. Aber dann . . . er hört die Handlung.

Jake kehrt auf den Abwärtstrend seiner eigenen Karriere zurück und bereitet sich auf die Supernova-Veröffentlichung von Evan Parkers erstem Roman vor: aber es kommt nie. Als er herausfindet, dass sein ehemaliger Schüler gestorben ist, vermutlich ohne sein Buch jemals fertig gestellt zu haben, macht Jake das, was jeder Autor mit Selbstachtung mit einer solchen Geschichte tun würde – eine Geschichte, die unbedingt erzählt werden muss.

In wenigen Jahren haben sich alle Vorhersagen von Evan Parker erfüllt, aber Jake ist der Autor, der die Welle genießt. Er ist reich, berühmt, gelobt und auf der ganzen Welt gelesen. Doch auf dem Höhepunkt seines glorreichen neuen Lebens trifft eine E-Mail ein, die erste Salve in einer erschreckenden, anonymen Kampagne: Du bist ein Dieb, es sagt.

Während Jake sich bemüht, seinen Antagonisten zu verstehen und die Wahrheit vor seinen Lesern und seinen Verlegern zu verbergen, beginnt er, mehr über seinen verstorbenen Schüler zu erfahren, und was er entdeckt, erstaunt und erschreckt ihn gleichermaßen. Wer war Evan Parker und wie kam er auf die Idee zu seinem „sicheren“ Roman? Was ist die wahre Geschichte hinter der Handlung und wer hat sie wem gestohlen?

Die Handlung von Jean Hanff Korelitz ist ein langsam brennendes häusliches Mysterium.

Jake Bonners Leben hat sich langsam verschlechtert, seit er mit seinem ersten Roman ein wenig Erfolg hatte. Während er einen Kurs für kreatives Schreiben an einem obskuren College unterrichtet, um über die Runden zu kommen, enthüllt Jakes Schüler Parker Evans schließlich die Handlung des Buches, an dem er arbeitet. Jake erkennt, dass Parkers arrogantes Prahlen mit seinem zukünftigen Erfolg ins Schwarze trifft. Doch seines Wissens wurde das Buch nie veröffentlicht. Während sein Leben seine Abwärtsspirale fortsetzt, gönnt sich Jake ein bisschen Internet-Ausspionieren seines ehemaligen Schülers. Zu seiner großen Überraschung starb Parker nicht lange nachdem sie sich kennengelernt hatten. In einem Moment kommt er zu Bedauern, Jake eignet sich Parkers Handlung an und wie vorhergesagt, ist das Buch ein RIESIG Erfolg. Aber als er eine E-Mail erhält, in der er beschuldigt wird, ein Dieb zu sein, versucht Jake herauszufinden, wer ihn belästigt, bevor er öffentlich blamiert wird.

Jake ist in den Jahren seit der Veröffentlichung seines ersten Buches ein Defätist geworden. Obwohl er bestreitet, dass eine Schreibblockade eine Sache ist, schmachten seine neuesten Arbeiten in der Entwicklung seit vielen Monaten. Jake wendet sich neben dem Unterrichten dem Online-Schnitt zu, hat aber schließlich Probleme, Miete zu verdienen. Nachdem er sich Parkers Plan „ausgeliehen“ hat, ist Jakes Erfolg ein zweischneidiges Schwert, da er befürchtet, dass jemand sein Geheimnis herausfinden könnte. Gerade als sein Leben eine unerwartete Wendung nimmt, beginnt Jake, die Drohungen zu erhalten, von denen er befürchtet, dass sie ihn öffentlich ruinieren werden.

Die Handlung ist ein faszinierendes häusliches Geheimnis. Trotz einer sehr einzigartigen Prämisse ist das Tempo für die erste Hälfte des Romans sehr langsam. Jake strahlt eine besiegte Miene aus, bis er mit seinem geplünderten Komplott Erfolg hat. Da er viel zu verlieren hat, wenn die Wahrheit ans Licht kommt, versucht er verzweifelt herauszufinden, wer es auf ihn abgesehen hat. Scharfe Leser werden die Identität der Person höchstwahrscheinlich lange vor dem zunehmend ängstlichen Hauptprotagonisten feststellen. Jean Hanff Korelitz bringt dieses ungleichmäßige häusliche Geheimnis zu einem etwas enttäuschenden Abschluss.


Adrenochrom

Also fing meine Frau an, in die Falle zu tappen. Ich habe das mit ihr geteilt und im Moment hat es ihr geholfen zu erkennen, dass die ganze Q-Sache Bullshit ist.

Wenn all dies darauf basiert, Kinder wegen Adrenochrom zu töten. Wie kommt es dann, dass ich das Zeug einfach online kaufen kann? Es gibt ein paar Websites für Laborbedarf, die es verkaufen. Zu Ihrer Information, es ist ein Molekül, wenn jemand versucht zu sagen, dass es anders ist, ist es nicht. Das ist Chem 101. Ein Molekül unterscheidet sich nicht unabhängig von der Quelle.

2

"Adrenochrom" in QAnonsense ist nicht. wissen Sie, Real Life Adrenochrome (das, wie Sie bemerkt haben, ganz einfach online gekauft werden kann - es ist einfach Adrenalin oder Adrenalin mit einer zusätzlichen Sauerstoffgruppe).

Was ich hier unten anmerken werde, sind im Grunde die Ursprünge des Adrenochrom-Dings in QAnonsense (Vielleicht ist das Folgende bei Ihrer Frau hilfreich, vielleicht nicht, aber wenn nicht Ihre Frau vielleicht jemand anderes).

Tatsächlich begann die "Adrenochrom-Sache" NICHT damit, dass Satanisten Kinder buchstäblich schnaubten. Als die Psychiatrie (und insbesondere die Behandlung von Dingen wie Schizophrenie) noch in den Kinderschuhen steckte – als Elektroschocktherapie und Lobotomien noch eine Sache waren – schlugen zwei Wissenschaftler die Idee vor, dass der Grund für Schizophrenie bei Schizophrenie darin lag, dass sie zu viel Adrenochrom hatten (basierend auf auf ihren eigenen Studien von Gehirnen von Menschen, bei denen Schizophrenie diagnostiziert wurde, die gestorben sind und obduziert wurden).

(Folgestudien zeigten, dass dies nicht der Fall war, wir wissen jetzt zumindest, dass Schizophrenie nichts mit Adrenalin oder Adrenochrom zu tun hat, sondern wahrscheinlich eine Neurodivergenz mit einer starken genetischen und möglicherweise epigenetischen Komponente ist. Live-PET-Scans von Menschen mit Schizophrenie zeigen Unterschiede im Vergleich zu neurotypischen Menschen (und interessanterweise auch sehr unterschiedlich zu Live-Time-PET-Scans von Menschen mit Autismus - Autismus wurde bis Ende der 70er Jahre tatsächlich als eine Form der kindlichen Schizophrenie klassifiziert). Adrenalin und seine oxylierte Form Adrenochrom machen Sie jedoch nicht schizophren.)

Diese angebliche Assoziation von Adrenochrom mit Schizophrenie führte tatsächlich dazu, dass es in den 60er Jahren in einer Reihe von fiktiven Werken als Analogon für eine noch schlimmere Form von PCP verwendet wurde – wahrscheinlich das einflussreichste Wesen Eine Uhrwerk-Orange (die zum Teil eine Handlung mit Bars beinhaltete, die verschiedene interessante Freizeitdrogen in Milch, einschließlich des fiktiven Adrenochroms, verteilten) und insbesondere Angst und Schrecken in Las Vegas (was nicht nur den Aspekt von "PCP, sondern noch schlimmer" aufspielte, sondern sogar die Überlieferung hinzufügte, wie es für zusätzlichen Horror von menschlichen Opfern geerntet wurde). VIEL Kürzlich (und ungefähr einen Monat bevor die ersten QAnon-Posts auf 4chan begonnen hatten, gab es auch eine Handlung in der TV-Show Fürchte den wandelnden Tod das beinhaltete tatsächlich einen Adrenochrom-Junkie, der Drogen von Toten erntet (was selbst ein Hinweis auf die Opiatkrise war, die große Teile des ländlichen Südens und Mittleren Westens zerstört hat und die 4chan Creepypasta mit ziemlicher Sicherheit beeinflusst hat, wie unten erwähnt).

Vor ungefähr 50 Jahren oder so zu 4chan, auch bekannt als Mos Eisley des Internets – aber auch eine Seite, die eine ziemlich lange Tradition des Schreibens von Creepypasta hat (creepypasta natürlich als Scary Horror Stories). Die weniger bösartigen davon betrafen Dinge wie Slenderman (eine moderne urbane Legende, praktisch das moderne Äquivalent von Bloody Mary) und das Schreibuniversum der SCP Foundation (jetzt sehr, sehr getrennt von 4chan, aber aus gruseligen Geschichten über einen besonders gruselig aussehenden modernes Kunstwerk im Rahmen einer fiktiven "Men in Black" Agentur, die Menschen vor paranormalen Bedrohungen schützt und die Maskerade der Normalität aufrechterhält). Je bösartiger davon. haben Dinge wie Pizzagate aufgenommen, eine Verschwörungstheorie, die effektiv eine Wiederbelebung der alten "Satanischen Panik" ist, die viele sehr kultische Pfingstgruppen umarmten und nie wieder losließen 1 - und die sich in den 1990er Jahren als völlig betrügerisch erwiesen hat 2 .

QAnonsense hat sich auf seine Art, ein Online-Kult und eine Grand Unified Conspiracy Theory zu werden, SEHR schnell aus dem "Taktik-Kewl"-Zeug entwickelt (angeblich von einem Spezialagenten mit "Quoten streng geheim"-Freigabe - der eigentlich einer beliebten Show entlehnt wurde, Bogenschütze, die eine Parodie auf Geheimagenten-Shows war), nicht nur Pizzagate einzubeziehen (das an sich andere Aspekte einer Verschwörungstheorie im Zusammenhang mit Satanic Panic 3 aufgenommen hatte), sondern auch explizit in die Angst und Abscheu in Las Vegas/Fear The Walking Dead Erinnerung daran, dass Adrenochrom eine Art Super-PCP ist, das aus den Gehirnen und Nebennieren von Kindern gewonnen wurde, die rituell gefoltert und im Namen Satans geopfert wurden (und so zu einer Form der bösen alten Blutverleumdung wurde 4 ).

tldr stammt also aus frühen (und entlarvten) psychiatrischen Sachen aus den Tagen der Lobotomien und (direkter) vielen fiktiven Referenzen, kombiniert mit einigen sehr, sehr bösen Verschwörungstheorien.

1 Wahrscheinlich ist die Neuapostolische Reformation die Gruppe, die sich am härtesten und am frühesten mit dem Konzept der "Satanischen Panik" beschäftigt hat, eine religiöse Bewegung mit hohem Zwang in pfingstlichen und charismatischen Kreisen. Sie gaben es nicht nur wirklich nie auf (wie Rick Astley), sondern sahen es ziemlich explizit als Beweis ihrer eigenen Theologie der "Spiritual Warfare" (die selbst auf der Manifest Sons of God-Bewegung in den 40er Jahren basiert und von ihr abgeleitet ist). Die NAR ist auch wahrscheinlich die größte religiöse Gruppe (in Bezug auf die Anzahl), die QAnonsense so gut wie angenommen hat, hauptsächlich weil (wieder) so viel von QAnonsense aus ihrer eigenen Großen Einheitlichen Verschwörungstheologie stammt.

2 "Satanic Panic" wird allgemein als beginnend mit Mike Warnke angesehen Der Satansverkäufer (Warnke war ein beliebter "christlicher Komiker", dessen Handlung im Wesentlichen ein sauberer Abklatsch von Gallaghers war und der (anstatt Wassermelonen mit einem riesigen Baka-Hammer zu zerschlagen) seine Comedy-Routinen mit reißerischen Geschichten darüber beendete, wie er ein ehemaliger "Satanischer Hoherpriester" war und Mitglied der Illuminaten und wie so ziemlich ganz Hollywood eine Masse von babyfressenden Satanisten war. Eine konservative christliche Zeitschrift, die unter den charismatischen Sets beliebt ist (Cornerstone-Magazin) untersuchte Warnke und mehrere andere "Satanic Panic"-Hausierer und stellte fest, dass es sich bei jedem von ihnen um völlige Betrüger handelte eine unter Zwang stehende religiöse Gruppe, noch bevor es die eigentliche NAR gab) während der Zeit, in der er behauptete, ein satanistischer "Rock-and-Roller" zu sein.

3 In den frühen 90er Jahren wurde eine Variation der "Satanischen Panik" verkauft (von einem diagnostizierten paranoiden Schizophrenen), die die übliche Panik mit Verschwörungstheorien um MKULTRA (ein CIA-Programm, das mit unethischen Überredungstechniken experimentiert, das in den 70er Jahren nach ihrer Aufdeckung eingestellt wurde) kombinierte, und --Ich erfinde nicht das letzte bisschen -- schlimmere Alien-Entführungen und UFOer-Verschwörungstheorien. Insbesondere die Verschwörungstheorie von "Project Monarch" behauptete, dass die CIA und das US-Militär mit bösen Lizard People Aliens zusammengearbeitet haben (denken Sie an David Icke oder die Miniserie). V), unterirdische Installationen unterhalb von Militärstützpunkten, einschließlich des Pentagon, gebaut und buchstäblich Kinder entführt, gewaltsam vergewaltigt und in einigen Fällen in dunklen Ritualen dem Satan geopfert und die Kinder einer Gehirnwäsche unterzogen, damit sie "Sexkätzchen" sind, um andere zu fangen und Selbstmord zu begehen, wenn sie ausgelöst werden über spezielle Befehlssätze. Dieselbe Person, die diese Verschwörungstheorie vertritt, behauptet auch, Hillary Clinton habe sie vergewaltigt, dass Clinton, George Bush (der Ältere) und fast alle anderen Weltführer buchstäblich Satan verehren Echsenmenschen sind, und behauptet außerdem, ein ehemaliges "Sexkätzchen" gewesen zu sein. Unnötig zu erwähnen, dass dies tatsächlich lächerlicher ist als selbst die ursprüngliche satanische Panik.

4 Sowohl das "Adrenochrome Ding" als auch die eigentliche satanische Panik können tatsächlich als Variationen der "Blutverleumdung" beschrieben werden, einer sehr fiesen antisemitischen Trope (aus dem Mittelalter), die behauptete, dass jüdische Menschen rituell Kinder opfern, ihr Blut ablassen und dies verwenden für die Zubereitung von Matzoh-Crackern – und dass christliche Kinder besonders geschätzt werden. (Tatsächlich ist dies ungefähr der nächste absolut anti-koscher Wie es im Judentum möglich ist, ist es jüdischen Menschen unter JEDEM Umstand verboten, Blut zu trinken (bis zu dem Punkt, an dem es so ziemlich die einzige Mizwot ist, bei der der Tod buchstäblich vorzuziehen ist), es ist so ziemlich die EINE Sache, die Sie effektiv davon ausschließen wird, jüdisch zu sein , und historisch war eigentlich ein Vergehen mit der Todesstrafe und einer summarischen Hinrichtung würdig, wenn man es miterlebt, weil es als so abscheulich angesehen wurde. Das ALLER Letzte, was jüdische Menschen mit Pessach-Mazzot machen würden (die selbst eine besondere Vorbereitung erfordern, um aus völlig ungesäuertem Teig zu sein), in dem, was wohl ist die einzige Zeit im Jahr, in der es im Judentum effektiv eine Reihe von „koscheren Plus“ an diätetischen Beschränkungen gibt, wäre so ziemlich buchstäblich rituell ihre Mazzot mit menschlichem Blut entweiht.)


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Laura Perez hat eine wundervolle neue Liebe gefunden, die ihre Ambitionen nach My 600-lb Life unterstützt

Laura Perez hat seit ihrer Episode von viele Veränderungen erlebt Mein 600-Pfund-Leben. Einige dieser Änderungen waren jedoch nicht sehr positiv. In einer Folge von Mein 600-Pfund-Leben: Wo sind sie jetzt?, öffnete Laura die Schwierigkeiten, mit denen sie und ihr Ehemann Joey als Paar konfrontiert waren, einschließlich der Zwangsräumung. Aber es waren auch tiefere Probleme im Spiel.

"Ich möchte immer unabhängiger werden, einen Job bekommen und Karriere machen", verriet sie. Aber Joey wollte nicht, dass sie das tat. Als sie ihm von ihren Ambitionen in der Schönheitsschule erzählte, wurde er wirklich wütend – offensichtlich unterstützte er ihre Träume nicht und wollte nur, dass sie zu Hause blieb, abhängig von ihm.

Anstatt sich gefangen zu fühlen, hielt Laura während der Episode trotzdem an der Schönheitsschule. Und laut einem inzwischen gelöschten Post auf ihrer Facebook-Seite ist sie wieder mit einem neuen Mann verheiratet! Sie schwärmte in einem Kommentar zu einem früheren Beitrag, der inzwischen gelöscht wurde, und sagte, dass sie eine Beziehung hinter sich habe, die sie beschädigt habe. Und der neue Schatz? „Gott sei Dank ist er ein großartiger fleißiger, liebevoller und fürsorglicher Mann, der mich an die erste Stelle stellt“, schrieb sie. "Ich bin gesegnet, ihn zu haben." Herzlichen Glückwunsch, Mädchen!


John Varvatos kehrt nach Detroit zurück

John Varvatos sitzt auf dem Rücksitz einer Limousine mit Chauffeur und wird in einem 2014er Chrysler 300C Limited Edition, der seinen Namen trägt, durch die Innenstadt von Detroit gefahren.

Das Auto, eine drei Jahre alte Zusammenarbeit zwischen Herrn Varvatos und dem Detroiter Autohersteller, zeigt alle charakteristischen Akzente des Modedesigners, wie dieselgraue Nähte auf der schwarzen Lederpolsterung mit geprägtem Logo.

Und der Designer – gekleidet in anthrazitgrauen Jeans, einer schwarzen Lederjacke mit kurzem Kragen, Perlenarmbändern und einer Lederkette – passt fast perfekt zum glatten dunklen Interieur des Autos, während er auf die vorbeiziehende Landschaft seiner Kindheit blickt.

„Ich glaube, meine Zahnarztpraxis war in einem dieser Gebäude“, sagt Mr. Varvatos, 59, während wir die Griswold Street entlang fahren, vorbei an zwei der berühmtesten Art-déco-Wolkenkratzer Detroits, die in den 1920er Jahren während des goldenen Zeitalters der Stadt erbaut wurden.

An diesem Wochentagnachmittag im zeitigen Frühjahr um uns herum sind die zwei Gesichter von Detroit: die verlassenen und geschlossenen Bürogebäude, eine gespenstische Erinnerung an die einst pulsierende Wirtschaft dieser Stadt und dazwischen verstreut glitzernde neue Technologieunternehmen und Start-up-Inkubatoren wie Detroit Labs und Build Institute sowie belebte Farm-to-Table-Restaurants und angesagte Late-Night-Bars.

Hinzu kommt nun der neu eröffnete Herrenmodeladen von Herrn Varvatos, sein erster im Mittleren Westen, in einem restaurierten Gebäude aus dem 19. Jahrhundert an der Woodward Avenue, mit gusseisernen Säulen, schwarzem Bleiglas und Samtvorhängen, die die Schaufenster einrahmen.

Ein Besuch im Laden folgt später, aber zuerst machen wir einen kurzen Abstecher zu einem bescheidenen Haus in einer ruhigen Nachbarschaft, eingerahmt von Laubbäumen.

„Schauen Sie, wer hier in seinem schicken Auto ist“, schreit ein Mann mittleren Alters in einem Kapuzensweatshirt und einer Arbeitshose, als er sich unserem angehaltenen Auto nähert. Innerhalb weniger Augenblicke gesellt sich ein anderer Mann zu ihm, der dem ersten sehr ähnlich sieht – und, um ehrlich zu sein, Mr. Varvatos selbst sehr ähnlich sieht.

Bild

„Ich wusste nicht, dass du heute zu Besuch kommst“, sagt der erste Mann mit einem breiten Grinsen auf seinem Gesicht.

„Hast du keinen neuen Laden zu eröffnen?“ fragt der zweite lachend.

„Ich habe dich gerade im Fernsehen gesehen“, sagt der erste Mann.

„Ich habe dich gerade im Radio gehört“, sagt der andere.

„Ja, ja, ja“, sagt Mr. Varvatos durch das heruntergelassene Fenster des im Leerlauf befindlichen Autos, das jetzt in der Auffahrt des 1.000 Quadratmeter großen Backstein-Ranchhauses geparkt ist, in dem er mit seinen vier Geschwistern und griechisch-amerikanischen Eltern aufgewachsen ist — ein Buchhalter und eine Hausfrau, beide inzwischen verstorben.

„Meine Brüder“, sagt er und stellt Evan, den jetzigen Besitzer des Hauses ihrer Eltern, und Dennis vor, der gleich die Straße runter wohnt. (Die beiden betreiben ein Landschaftsbauunternehmen.)

„Ich gebe eine persönliche Tour“, sagt er zu den beiden Männern, mit denen er aufgewachsen ist, während er sich ein Schlafzimmer in diesem Haus in Allen Park teilt, einem Arbeiterviertel 20 Autominuten von der Innenstadt entfernt.

In den nächsten 10 Minuten erzählen die Brüder Geschichten von einem Teenager Mr. Varvatos, der pfirsichfarbene Hosen mit blauen Taschen trägt und sein hart verdientes Geld für Platten und Tickets für Konzerte von Lokalmatadoren wie den Stooges, Ted Nugent, MC5, Grand Funk Railroad und . ausgibt Bob Seger. (Musik ist das Herzstück der Arbeit des Designers: In seinen Anzeigen waren Ikonen wie Ringo Starr, Iggy Pop und Willie Nelson zu sehen. Die Kampagne dieses Frühjahrs präsentiert Stephen und Ziggy Marley.)

Mit 16 begann Herr Varvatos in einem lokalen Herrengeschäft zu arbeiten und strebte nach dem College eine Karriere in der Mode an. Er verwarf Pläne, Naturwissenschaftslehrer zu werden, und gründete eine Partnerschaft in einem Männergeschäft in Michigan, zog später nach Chicago und dann nach New York und arbeitete im Laufe der Jahre für Ralph Lauren und Calvin Klein. Vor 15 Jahren hat er sich selbstständig gemacht.

Mr. Varvatos’s company now reports annual sales of roughly $250 million and, with this most recent Detroit opening, has 21 stores globally.

After waving goodbye to his brothers with a promise to see them at the Red Wings hockey game that night, Mr. Varvatos heads back downtown, where, over a Coney Island hot dog (a Detroit staple) at the restaurant Lafayette, he recalls a trip in January 2014 that made him want to work here once again.

“I come back all the time, but on that visit I was just blown away by how quickly everything was changing,” he says. “There is also this passion for Detroit and a work ethic here that was calling me back.”

Next up on his whirlwind tour: Henry the Hatter, opened in 1893, where a young Mr. Varvatos once bought floppy Haight-Ashbury-type hippie hats, and then the Empowerment Plan, a nonprofit started by a young product designer that hires previously homeless women to make coats that double as sleeping bags.

“Seeing this place last winter made me want to set up some manufacturing here,” Mr. Varvatos says, adding that he may also base some of his new music business in Detroit.

Later, at his store, wandering amid the accessories and clothing lines he designs as well as the music memorabilia he collects and sells — rare vinyl records, vintage audio equipment, classic guitars and live performance photographs of everyone from Aretha Franklin to the White Stripes — Mr. Varvatos seems pleased with what he has brought to his hometown.

Like his store on the Bowery in Manhattan, in the former CBGB, the Detroit space has a stage for performances. And four weeks later, Mr. Varvatos would be back here, this time for the party celebrating the store’s opening, with a show by his longtime friend Alice Cooper, a fellow Detroit native.

Packed into the 4,600-square-foot store was a crowd that included the Detroit Tigers pitcher Justin Verlander and his girlfriend, the Michigan-born Kate Upton the singer Michael Bolton, who is working on a documentary about Detroit and Mr. Varvatos’s brothers, decked out in John Varvatos, as well as one of his two sisters, Elaine.

As the rocker ended the night with his biggest hit, “School’s Out,” Mr. Varvatos was next to him on stage, belting out every word and looking perfectly at home.


The Truth About The Golden Girls: How the Beloved TV Best Friends Really Felt About Each Other

Joseph Del Valle/NBCU Photo Bank

Between 1985 and 1992, there was no more welcoming place to be on a Saturday night than watching Dorothy, Blanche, Rose and Sophia talk about life over slices of cheesecake.

No matter how old you were, whether you were still in your single digits or at a point where you were reminiscing about your 50s, The Golden Girls was—and remains, as evidenced by the people of all ages still tuning into reruns—a sitcom that brought families together. It was a show that you made a point of being at home to watch, sitting through commercials and everything, perhaps with one of the special golden-aged ladies in your life by your side.

One of the most delightful things about those repeats, perhaps, is all the new jokes, the ones that meant nothing when you were a kid, but that are either eerily spot-on or shockingly raunchy now. (It's for the best that you had no idea how many sex jokes you were watching with your grandma when you were 8—but it was awesome seeing her laugh that hard.)

And though it's been 35 years since The Golden Girls premiered in Sept. 1985, and three of its four pitch-perfect stars are no longer with us, the dynamic relationships that Bea Arthur, Estelle Getty, Rue McClanahan und Betty White brought to the screen live on.

"You see Golden Girls on three hours a day!" Arthur marveled to E! News in 2002, 10 years after the show ended its original run. And yes, she still enjoyed watching it.

In almost every successful show—be it about solving murders, selling paper or angling for the Iron Throne—it's the nuances of the relationships, be they supportive and uplifting or toxic and destructive, that keep viewers coming back for more and rewatching to catch what they missed the first time.

Und The Golden Girls, for all its sitcom-length cheer, had its sad, tender and fraught moments amid the delicious snark, all of it adding up to a delectable portrait of women digging into their second, or third (or fourth) chapter of life with gusto.

But when the onscreen chemistry is that good, it can be kind of a letdown to think about the actors off camera, wondering if these ladies ever lunched, if they were the Jen-Courteney-Lisa of their day or the Kim Cattrall und Sarah Jessica Parker.

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For starters, all four stars of The Golden Girls won an Emmy, and that's with Arthur, McClanahan and White all competing in the Best Actress in a Comedy Series category.

White, playing wide-eyed Minnesotan Rose Nyland, won for the show's first season, in 1986 followed by McClanahan, the lusty Blanche Deveraux, in 1987 and Arthur, the acid-tongued divorcée Dorothy Zbornak, who more often than not killed with just a stare or a roll of her eyes, took it in 1988. Getty, who played Sophia Petrillo, Dorothy's Sicily-picturing, octogenarian mother (despite being a year younger than Arthur), was nominated every year for Best Supporting Actress in a Comedy and won in 1988.

"To get to this point, you can't narrow it down anymore than three," White said in her acceptance speech. "I mean, there ain't no way. I am the lucky one, who gets to come and pick up this beautiful golden girl," she said, gesturing to her statuette, "but Estelle, and Rue, and Bea and I all thank you.

"We're a matched set, you can't split us up. We want to thank the network for taking a chance on four old broa-. old ladies," she corrected herself with a knowing look.

Rue (who laughed gracefully when presenter Howie Mandel pronounced her name as "McCallahan") gave a longer speech the following year before she addressed the "wonderful group known as das Golden Girls. "There's five of us, you know. There's Bea Arthur and there's Betty White. There's Estelle Getty, there's me, and there's our secret weapon, the fifth Golden Girl, Terry Hughes," she said with a smile, as Hughes, who directed 108 episodes of the show and became an executive producer in 1989, is a man. "He makes us happy to come to work every day, every week, every year."

Still, McClanahan wrote two decades later that it was "awkward" to be pitted against one another year after year, and she sensed Arthur wasn't nuts about losing to White that first year, or herself the next, despite Arthur's bigger paycheck as the most seasoned leading lady of the group.

But when Arthur did win, the first thing she said was, "Let me make this very brief: the four of us want to thank, because we all won. " And she went on to list many people involved with the show, including executive producer Paul Junger Witt and creator Susan Harris.

After that, the ladies were all bonded in having to grin and bear it when Candice Bergen won the next two years, and again in 1992, for Murphy Brown. (Kirstie Alley won in 1991 for Cheers.)

When NBC was first casting The Golden Girls, McClanahan and White had recently been on Mama's Family together, so they had an ongoing rapport going in to the new project. "We adore each other," White said of McClanahan, whom she affectionately called "Roozie."

White was originally considered for Blanche, perhaps having been typecast from her two-time Emmy-winning role as the bawdy Sue Ann Nivens on The Mary Tyler Moore Show, and they wanted McClanahan to play Rose.

But McClanahan, as she remembered in her 2007 memoir My First Five Husbands. and the Ones Who Got Away, thought the role of Blanche was perfect for herself, and she was secretly thrilled when, in the middle of her audition for Rose, the pilot director asked her to switch to Blanche. The next day they had White read opposite her as Rose.

Meanwhile, McClanahan says she was tasked with trying to convince Arthur, whom she starred with on Maude, to join The Golden Girls. It was hard to miss the spiritual connection between Arthur's iconic acerbic feminist Maude Findlay with independent divorcée Dorothy. And McClanahan must have been thought of for Rose because she played Maude's ditzy neighbor Vivien for six years.

Sure enough, McClanahan—who hadn't seen Arthur in seven years but said she loved working with her—remembered Arthur telling her, "'Rue, I don't want to do Maude and Vivien Meet Sue Ann Nivens. Boooorrrring!"

However, once she found out that White and McClanahan had swapped roles, she was more interested. Thank goodness. Talking to E! News, Arthur said she remembered reading a "brilliant" script, thinking "it's funny, it's adult, and I will get off my ass again and go to work."

She did have reservations about doing another sitcom and had turned down a lot in the interim (and had a misstep with Amanda's, an American take on the British classic Fawlty Towers), but once she read the Golden Girls script, that was es. "I didn't know it was going to turn into a cult [following]," she said. "I just thought it was wonderful."

Getty, mainly a New York stage actress who had played the scene-stealing grandmother on Broadway in Torch Song Trilogy and moved west for its Los Angeles run, completed the foursome. The "chemistry was plain as a preacher's daughter," McClanahan wrote. "Our set was a happy one."

Yet the story of a feud between Arthur and White—who as Rose was the object of some of Dorothy's most caustic barbs and hilarious glares into the distance—persists. "I love both Bea and Betty and got a huge kick out of each of them," McClanahan wrote in her book. "Their relationship with each other wasn't all I wished it could be, but it never interfered with their work."

Arthur told E! News, "It was a brilliant working relationship, everybody. There wasn't a weak link in the whole thing."

So it may have been agreed upon that, as co-stars at least, everything was just as it should have been. But while McClanahan and White had the closet friendship in the years after The Golden Girls ended its original run, none of them ever felt the need to really disparage each other. "Bea is a very, very eccentric woman," McClanahan recalled in an interview she gave for the TV Academy's Archive of American Television. "She wouldn't go to lunch unless Betty would go with her."

Even if White was late, Arthur always waited for her, and when the cast stayed for dinner while shooting on Fridays, they always sat next to each other. White also noted in her 1987 autobiography, Betty White in Person, that she and Arthur lunched together every day—and both she and McClanahan noted that Bea was a foodie, to a fault.

McClanahan praised both Getty and Arthur's cooking skills, admitting that the latter considered all of McClanahan's recipes "odd." White called Arthur, when it came to food, "discriminating, knowledgeable, and appreciative. and a bit intolerant of someone else's lack in this department. [My] unimaginative predictability drives her bananas."

"Picky," was how Getty characterized Arthur's approach to food, prompting an annoyed look from her TV daughter. "But it's her total preoccupation," White added when the cast sat down with the Washington Post in 1986. "It's better than sex as far as Bea is concerned. Eating."

McClanahan also marveled at how the four of them, from such different backgrounds, all meshed so seamlessly in their roles—and White concurred. "There could not be four more disparate females!" she remarked in her 1987 book.

White's third husband, Allen Ludden (who she considers her greatest love), died in 1985, and she—the only native Californian of the bunch—had a circle of friends dating back to her earliest days in showbiz and as a student at Beverly Hills High School.

Arthur and McClanahan were divorced, the latter five times (she remarried for good in 1997). Getty had been married to her husband, Arthur Gettleman, since 1947, and remained so until his death in 2004. (Though that didn't stop her from joking that sheɽ drink Cary Grant's bathwater should he ever come to the Golden Girls set.)

Having already worked on one groundbreaking sitcom that centered on a strong central female character surrounded by essential supporting roles, White knew what it was like to work with a lot of big personalities, including her own—and the Hollywood veteran knew how women, no matter the reality of the situation, were often assumed to be adversaries instead of allies.

"Sad to say, there are times when rumors are based on fact," she wrote about feud narratives in general. "Knowing how much time and togetherness is involved in making a television series is mind-boggling to think of doing it if you disliked each other! Bad enough in a dramatic situation. imagine doing comedy in those conditions?!"

"I don't even want to contemplate what the set of The Golden Girls would be like if we didn't all support and respect one another. The fact that we also happen to be nuts about each other was an added starter which could not have been foreseen when the show was first put together."

Moreover, White wrote, "From the very beginning, we were each thrilled by the professionalism of the other three. No one had to be carried. Whatever one of us served up was returned in kind. or better."

During rehearsal breaks, the four of them would normally just stay on set and chat—and one of them would inevitably exclaim, "We sound just like the Golden Girls!"

Both McClanahan and White recalled that Arthur, used to the discipline of the theater, didn't love it when White—who in addition to sitcoms was a veteran of game shows—would "break the fourth wall" and chat with the studio audience in between takes. Rue saw both sides of the argument, but eventually started joining Betty on occasion.

In 1987, Getty, McClanahan and Arthur were all in on it when the show This Is Your Life—which by then was only airing in the form of occasional prime-time specials—and shocked White during a photo shoot that was set up entirely as a ruse. "In all truth, you can't imagine what a test of friendship it was for them to go through all that phony preparation. which they hate at the best of times," White wrote. "I am eternally grateful!"

Off the set, however, the four ladies mainly ran in different circles.

McClanahan remembered attending big birthday parties Getty threw every summer, and she had a dinner party for about 40 that Arthur attended, while Getty came one time for a Christmas soiree otherwise, their socializing as a quartet was mainly confined to award shows and work-related gatherings. But they were comfortably chummy. Rue grew tomatoes and kept her co-stars supplied. They were all involved with animal rights and rescue charities, and McClanahan and Getty did PETA events together. White let McClanahan know when Mary Tyler Moore's brother's dogs had puppies, and Rue adopted what at the time was her third dog.

When they wurden together, though—as Arthur frequently noted—they really did sound like Dorothy, Rose, Blanche and Sophia, minus a few key differences. "Where are those two older women?" Getty wondered aloud while waiting for Arthur and White to show up for lunch with the Post's Tom Shales at a Chinese restaurant in Hollywood. McClanahan was already there, so they chatted about the Golden Globe Getty had just won.

"It's in a niche, with my other icons," Getty said.

Asked if they saw each other much outside of work, Dorothy's TV mom replied, "We all have such different lives, really. I really would love to hang out with them. But they don't let me."

Arthur later recalled to E! that her favorite part of the show was the dynamic between Sophia and Dorothy. "One of my favorite episodes was where Sophia enrolled us in a mother and daughter beauty pageant at Shady Pines [the nursing home that caught fire, which is why she was living with her grown daughter and her friends], and for the talent portion we did Sonny und Cher singing 'I Got You Babe.' I loved everything that had to do with a mother."

They teased Getty mercilessly about that Golden Globe ("We never used to have to call you [to the set] until you got your Golden Globe!" White cracked), until, of course, they all had hardware in their niches.

It was only fitting that Arthur and Getty won their Emmys on the same night. "Picture it. California. 1988," Getty began, getting a big laugh. "This is such a big thrill and I know I can't take too much time, but I want to thank the immediate world." She thanked her family, friends, the GG crew, "and the reason I'm standing up here, the three most beautiful, generous, wonderful, talented ladies—my daughter, Bea Arthur, and her two roommates, Rue McClanahan and Betty White."

"At my age, it was a shock to my heart," Getty told the Post about getting her first major TV role at the age of 61. "Not only was it terrifying to get this kind of job, it was terrifying to walk into a room with Betty White and Bea Arthur and Rue McClanahan."

"And don't you forget it," White joked. (Despite her theater background, Getty actually had trouble recalling her lines, sheɽ get so terrified, so she used cue cards.)

Asked how they got along, really, McClanahan said, "Well, I've gotten along with women all my life." "I have, too," Arthur added. "My best friends are women," Getty concurred.

To which White added, "Oh, mine aren't. I like to be with men better. But I get along with women."

Arthur noted that White liked men and dogs, and White acknowledged that sheɽ like it if the Golden Girls had a pet. As she went on about the idea of Rose having a pet rabbit, Arthur gave a signature Dorothy eye roll.

When their six-year deal came to a close, White, Getty and McClanahan were all pleasantly surprised when Arthur (who had walked away from Maude after six seasons) signed on for another year.

But after that, she knew it was time to go. "I thought, we hit it, we've really done it, and why hang on and do, just to keep it running, and to go over the same stuff again?" Arthur told E!. "We're never going to—not be as successful, but it's never going to be as rewarding creatively, certainly as during the first five years."

After the show ended with Dorothy marrying Blanche's rich uncle, played by Leslie Nielsen, the remaining trio signed up for the spin-off The Golden Palace, in which Rose, Blanche and Sophia ran a Miami hotel. Don Cheadle played the hotel manager and Cheech Marin played the head chef, but the show—on CBS, not NBC—was one-and-done.

Arthur always did stand out from the pack—not just on Golden Girls, but among iconic actors in general—due to her singular mannerisms, her recognizable voice, her storied theater career and the type of woman she played: No-nonsense, whip-smart, so funny and tough but recognizably human.

"Naked pictures of Bea Arthur" is one of the items the hapless hostage-takers demand in the 1993 comedy Airheads, thinking the screwier their requests, the likelier theyɽ be able to get off with an insanity plea. (Supposedly, they do get the photos. "Bea Arthur—outstanding," Judd Nelson observes.) Her final TV appearance was a cameo on Curb Your Enthusiasm in 2005, playing Larry David's late mother. He sees her in a dream where he's gone to heaven, and she chews him out for even thinking for a second that he was adopted.

Now, of course, Betty White is considered TV royalty by fans of all ages, a national treasure still walking among us, and she was honored at the 2018 Emmys accordingly.

"It's incredible that you can stay in a career this long and still have people put up with you," White, who turns 99 this January, quipped.

White recalled that Arthur was the most Professional-with-a-capital-P among them, the last likely to crack up mid-scene—though it did happen a few memorable times during their first two seasons.

"What makes it so marvelous in her case is that Bea is not a laugher," White wrote in Betty White in Person. "She may enjoy a joke with a smile, maybe a small chuckle. she is more likely to react to a funny remark with a deadpan stare. It's just such fun to see her fall apart!"

Arthur—whom White referred to in the book on one occasion as "my tall friend" and again as "my good friend"—apparently had a deathly fear of birds, or at least live chickens, which they all discovered one day on set.

"If we haven't gotten trouble with each other by now, I think it highly unlikely we ever will," White concluded after shooting 51 episodes over two seasons.

In her next memoir, 1995's Here We Go Again: My Life in Television, White wrote about what was an admittedly odd atmosphere on set the day after she won the Emmy in 1986 and The Golden Girls was named Best Comedy Series.

"Estelle gave me a big hug and kiss—but she did it outside, before we got into the studio," she recalled. "The crew couldn't have been warmer or sweeter, but the congratulations were all whispered." Maybe, despite the accolades, no one wanted to count their chickens (especially Bea Arthur, literally).

But, as the years went by and the show racked up Emmys, "the first year's coolness was never allowed again. We celebrated!"

White and Arthur were also bonded in grief just when the show was so obviously taking off during its first season, both losing their mothers within weeks of each other. Both had been in failing health, and White's mom died in November of 1985. When Arthur got the call that her mother had passed away during rehearsal three weeks later, "she went home but then came back to work the next day, just as I had done," White wrote. "We were a family, too, and somehow it just seemed the only place to be."

"Things got pretty spicy once in awhile," McClanahan wrote in her book, "but what mattered most to each of us individually and all of us as a group: the chemistry worked. We were damn funny. And we did it together. That's what counts at the end of the day."

White was five months older than Arthur and the oldest of the four Golden Girls stars, but she has outlived them all.

Estelle Getty died at 84 in 2008, having battled Lewy body dementia for almost a decade. "Our mother-daughter relationship was one of the greatest comic duos ever, and I will miss her," Arthur said in a statement at the time.

"The only comfort at this moment is that although Estelle has moved on, Sophia will always be with us," White said. Arthur died in 2009 at 86 and McClanahan, the youngest Golden Girl, died at 76 in 2010.

In an update for a new paperback edition of her book in 2010, White wrote that losing all three of her co-stars, including, "just recently, my beloved Rue McClanahan, has been very hard to take. When you work so closely together, for so long, and are blessed with such success, you wind up locked at the heart."


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